KUNZTRAUM #1

Berlin. We are pleased to present KUNZTRAUM #1, our first online group exhibition, curated by KUNZTEN. The exhibition brings together the work of 6 young contemporary artist from Berlin, who are in the creative environment of KUNZTEN.

In her paintings, videos, and sculptures, Jane Garbert conveys her interest in everyday processes and their potential for meaning and intention. Everyday ornamentation and everyday rhythm are two major themes in her work. Often the search for a material equivalent plays a major role. Garbert documents the detection of seemingly banal situations, such as in renovation processes or on construction sites, photographically. In the photo series "Ikebana" (2021), Garbert refers through the title to the Japanese tradition of flower arranging and translates it into her own formal language.

Themes of harmony, temporal fleetingness and linear arrangement are reinterpreted – in a poetic, sensual, but also playful way. Playfully, the serial works "Red" (2020) and "Platine" (2021) also explore different thematic aspects of an apparently formal order, a plastic touch and visual ambiguity.

“In Ikebana I and Ikebana II, Garbert processes optical ambiguity in a poetically sensual, yet humorous way.”

Lexia Hachtmann's works function in a modular way and cite themselves through the objects, motifs and contents that repeatedly appear in her paintings. These can be certain shades of color, or objects such as gloves or differently colored shirt collars. Her individual works are mutually dependent, but also function on their own. They appear like a kind of film still - images caught in motion, each a separate frame for a broader narrative. Things not represented can become content of the work, and objects she paints point to others outside the frame.

Playful, and flexible in its performativity, Hachtmann's work yields a new narrative depending on its arrangement, which is significantly influenced by how the work is displayed in space and to each other. Each set-up goes through phases of play, uncertainty, rearrangement, disruption, and expansion.

Frank Jimin Hopp's work incorporates elements from literature, mythology, and art history. He combines current political events or everyday observations with pop culture, comics and personal experiences. In his works, he transforms these influences into something poetic, focusing on the human being - sometimes strongly exaggerated, sometimes carefully sketched.

Certainly, he is also influenced by his studies in political science, where the question of how people live together or should come together in a society is of great concern to him. And to answer that question, Hopp studies the human nature and channels that influence into his figurative conceptual painting. In a chaotic, emotional, and rather indirect way, societal power imbalances and power structures play a role in Hopp's poetic paintings, drawings, and sculptures.

In her works, Christina Huber creates figures and color formations that can be associated with science fiction scenarios, digital surfaces, night scenes, or the image of a fleeting memory. The surreal-looking sceneries depict oversized figures whose bodies are captured in movements suggested by the rapid application of paint. In contrast, the color transitions in her works "Raupenlinie" (2021) or "Schnecke" (2021), reminiscent of digital surfaces seem fleeting, as if the gesture created by the drying of the skin glue could disappear in the next moment.

In her figurative works, as in "Begleiter:in" (2020), movement studies of contemporary performers or scientific phenomena form the starting points. It seems as if the escape from the now plays a decisive role; the search for a place that defies gravity, where the perspectives of the present can be questioned. Like an archaeologist, she wanders in her works on the traces of our society, its social constructions of space, gender and power relations.

Christina Huber's studio
Photo: Luis Bortt

How do shapes and colors influence our emotions and vice versa? - Max Hyrde explores in his work, the relationship between inner emotions and their communication through shapes and colors. In the series Fluidity of Faces, he reconstructs faces and expresses their emotionalities in an almost abstract style. In the Post-Internet series Nomads, he explores the question of which images of the traditional costumes of various nomadic tribes are highlighted in different search engines. A spontaneous, fresh and colorful style develops from this.

/ DE

Berlin. Wir freuen uns, mit KUNZTRAUM unsere erste Online-Gruppenausstellung zu präsentieren, kuratiert von KUNZTEN. Die Ausstellung bringt die Arbeiten von 6 jungen zeitgenössischen Künstler:innen aus Berlin zusammen, die im kreativen Umfeld von KUNZTEN stehen.

In ihren Malereien, Videos und Skulpturen vermittelt Jane Garbert ihr Interesse an alltäglichen Prozessen und deren Potenzial für Bedeutung und Intention. Alltagsornamentik und Alltagsrhythmik sind zwei große Themen in ihrem Werk. Oft spielt die Suche nach einer materiellen Entsprechung eine große Rolle. Das Aufspüren von scheinbar banalen Situationen wie zum Bespiel in Renovierungsabläufen oder auf Baustellen, dokumentiert Garbert fotografisch. In der Fotoserie „Ikebana“ (2021) verweist Garbert durch den Titel auf die japanische Tradition des Blumenarrangierens und übersetzt diese in eine eigene Formsprache.

Themen der Harmonie, einer zeitlichen Flüchtigkeit und lineare Anordnung werden neu interpretiert- auf poetische, sinnliche, aber auch spielerische Art und Weise. Spielerisch werden auch in den seriellen Arbeiten „Red“ (2020) und „Platine“ (2021) unterschiedliche Themenaspekte einer scheinbar formellen Ordnung, einer plastischen Berührung und visuelle Vieldeutigkeit untersucht.

Lexia Hachtmann’s Arbeiten funktionieren modular und zitieren sich durch die Objekte, Motive und Inhalte, die immer wieder in ihren Malereien auftauchen. Das können bestimmte Farbtöne sein, oder auch Objekte wie Handschuhe oder verschieden gefärbte Hemdkragen. Ihre einzelnen Arbeiten bedingen sich gegenseitig, funktionieren aber auch alleinstehend. Sie wirken wie eine Art Film-Still – in Bewegung gefangene Bilder, die jeweils einen separaten Rahmen für eine umfassendere Erzählung darstellen. Dinge, die nicht dargestellt werden, können Inhalt des Werkes werden, und Objekte, die sie malt, zeigen auf andere, die außerhalb des Rahmens liegen.

Spielerisch, und flexibel in ihrer Performativität, ergibt Hachtmann‘s Arbeit je nach Anordnung eine neue Erzählweise, die wesentlich davon beeinflusst wird, wie das Werk im Raum und zueinander ausgestellt wird. Jedes Set-Up durchläuft die Phasen des Spiels, der Unsicherheit, der Neuanordnung, der Störung und der Ausdehnung.

Christina Huber schafft in ihren Arbeiten Figuren und Farbformationen, die mit Science-Fiction- Szenarien, digitalen Oberflächen, Nachtszenen oder dem Bild einer flüchtigen Erinnerung assoziiert werden können. Die surreal anmutenden Szenerien zeigen übergroße Figuren, deren Körper in Bewegungen eingefangen sind, die durch den schnellen Farbauftrag suggeriert werden. Die an digitale Oberflächen erinnernden Farbübergänge in „Raupenlinie“ (2021) oder „Schnecke“ (2021) wirken dagegen flüchtig, als ob die durch das Trocknen des Hautklebers entstandene Geste im nächsten Moment wieder verschwinden könnte.

In ihren figurativen Arbeiten, wie in „Begleiter:in“, bilden Bewegungsstudien von zeitgenössischen Darstellern oder wissenschaftliche Phänomene die Ausgangspunkte. Es scheint, als spiele die Flucht aus dem Jetzt eine entscheidende Rolle; das Aufsuchen eines Ortes, der sich der Schwerkraft entzieht und an dem die Perspektiven der Gegenwart hinterfragt werden können. Wie eine Archäologin wandert sie in ihren Arbeiten auf den Spuren unserer Gesellschaft, ihrer sozialen Konstruktionen von Raum, Geschlecht und Machtverhältnissen.