Billie Clarken

What are you currently working on?

I'm focusing on a new body of work that's about going into the basement–the basement being like a figurative bunker. I feel over-stimulated and absorbed by the images around me, so it makes sense to take refuge in my memories and dreams. It’s a scary process, digging up the past and examining why I see the world the way I do. I guess it’s about seeking out some sort of authenticity within myself. I’ve been turning it into a playful process by finding inspiration in the objects I recall being in my childhood basement. For me, growing up in the suburbs of east coast America, there are a lot of boxes to unpack. My last major exhibition was a museum show in Lustenau, Austria. I spent a lot of time learning the history of the area. For the first time since moving to Europe, I found a lot of similarities to my own upbringing there. The town of Lustenau felt haunted in some way, the families that live there have been around for so long. I found that the architecture and landscape holds a lot of mystique, and in some ways it reminded me of symbolism that resonated with my memories of Los Angeles and Virginia.

Woran arbeitest du derzeit?

Ich konzentriere mich auf ein neues Werk, in dem es darum geht, in den Keller zu gehen - der Keller ist wie ein figurativer Bunker. Ich fühle mich von den Bildern um mich herum überreizt und absorbiert, daher ist es sinnvoll, mich in meine Erinnerungen und Träume zurückzuziehen. Es ist ein beängstigender Prozess, die Vergangenheit auszugraben und zu untersuchen, warum ich die Welt so sehe, wie ich sie sehe. Ich denke, es geht darum, eine Art von Authentizität in mir selbst zu finden. Ich habe es in einen spielerischen Prozess verwandelt, indem ich mich von den Gegenständen im Keller meiner Kindheit inspirieren ließ. Da ich in den Vorstädten der amerikanischen Ostküste aufgewachsen bin, musste ich eine Menge Kisten auspacken. Meine letzte große Ausstellung war eine Museumsausstellung in Lustenau, Österreich. Ich habe viel Zeit damit verbracht, die Geschichte der Region kennen zu lernen. Zum ersten Mal, seit ich nach Europa gezogen bin, entdeckte ich dort viele Ähnlichkeiten mit meiner eigenen Kindheit und Jugend. Die Stadt Lustenau fühlte sich in gewisser Weise verwunschen an, denn die Familien, die dort leben, gibt es schon so lange. Ich fand, dass die Architektur und die Landschaft viel Mystik in sich tragen, und in gewisser Weise erinnerte sie mich an eine Symbolik, die mit meinen Erinnerungen an Los Angeles und Virginia übereinstimmte.

Can you tell us more about this exhibition?

Yeah, Cancel the Reboot–it was at DOCK20, curated by Anne Zühlke. I took a lot of inspiration from Lustenau, because it has a really weird history of developing wealth and collapse. I worked with different fabricators there–sourcing a lot of material. I visited often. I loved the magic I found in Lustenau. You know, it felt so random, but there was a sponge factory around the corner–it was really just a five-minute bike ride from this amazing farm I was staying at ‘Vetterhof’. This factory had towers of colorful foam, and they so generously just sliced blocks into the sizes I needed. We even found a big UV printer in the area. This specific printer is super expensive for small advertising companies to have, but there it was, just 20 minutes away. The most interesting thing to me about Lusteanu was the fact that every house had a giant hedge. I love hedges, they’re so aesthetically rich and have appeared in my work over the years, especially while living in LA. Historically the hedges had a lot to do with desire for an enriched, private, unique lifestyle. Every home looked different, each one lined with their own style of hedge. The drive from the farm to the museum was like traveling through a maze. The whole experience was beyond serendipitous. I’ll never forget it.

Kannst du uns mehr über diese Ausstellung erzählen?

Ja, Cancel the Reboot - das war im DOCK20, kuratiert von Anne Zühlke. Ich habe mich stark von Lustenau inspirieren lassen, weil die Stadt eine wirklich seltsame Geschichte von Wohlstand und Zusammenbruch hat. Ich habe dort mit verschiedenen Herstellern zusammengearbeitet und eine Menge Material beschafft. Ich war oft dort. Ich liebte die Magie, die ich in Lustenau fand. Weißt du, es kam mir so zufällig vor, aber es gab eine Schwammfabrik um die Ecke - sie war wirklich nur fünf Minuten mit dem Fahrrad von diesem erstaunlichen Bauernhof entfernt, auf dem ich wohnte, dem 'Vetterhof'. In dieser Fabrik gab es Türme aus buntem Schaumstoff, und die Mitarbeiter waren so großzügig und schnitten die Blöcke einfach in die Größen, die ich brauchte. Wir haben sogar einen großen UV-Drucker in der Nähe gefunden. Diese spezielle Druckerei ist für kleine Werbefirmen sehr teuer, aber sie war nur 20 Minuten entfernt. Das Interessanteste an Lusteanu war für mich die Tatsache, dass jedes Haus eine riesige Hecke hatte. Ich liebe Hecken, sie haben einen großen ästhetischen Wert und sind im Laufe der Jahre in meiner Arbeit aufgetaucht, vor allem als ich in LA lebte. Historisch gesehen hatten die Hecken viel mit dem Wunsch nach einem bereicherten, privaten, einzigartigen Lebensstil zu tun. Jedes Haus sah anders aus, jedes war mit einer eigenen Art von Hecke gesäumt. Die Fahrt von der Farm zum Museum war wie eine Reise durch ein Labyrinth. Die ganze Erfahrung war mehr als ein Glücksfall. Ich werde es nie vergessen.

Your work references pop culture, fashion, and editorials. What fascinates you about the fashion world, and how does it differ from the art world?

The relationship to art and media has definitely changed a lot in the last 20 years. Recently, I have found that artists that collaborate with designers have proven to have greater visibility. In fashion, the cycle of imagery moves so fast, so in order to remain relevant I think a lot of brands choose to work with artists, allowing media to transcend the sometimes inaccessible world of contemporary art. These days, high fashion seems like it’s slowed down, maybe because the trend cycle is so fast it’s running itself over? Or because individual artists that provide so much inspiration, stay true to their sort of trademarked aesthetic. I do think that this has contributed to trends of art making. It’s inevitable. Maybe it's because I live in Berlin and Balenciaga's influence on the city is like a snake that eats itself.

How do you relate to that, and how does it influence your work?

I've always felt I’ve been battling an anxiety of not fitting in. A lot of my art comes from examining commodities and the archetypes that are used to complete their existence. As that process unfolds, I find myself on the outside looking in. Occasionally, I get wrapped up in larping, and it gets really confusing–that happened a lot when I was in LA. It happens in Berlin too, and like anyone else, I am a little envious that I can't tap into certain aesthetics in an authentic way. When I can’t morph into it undetected, I find myself rejecting it. It's like, “Fuck you, I don't even want to be in your club anyway!”. But I do like it. I like the cultishness that's behind it, but it’s definitely frustrating when a lot of the art I see is an adaptation of an aesthetic that’s sole purpose is to be celebrated as an object defining that aesthetic. It's just like signaling, which is what humans do, but it's not, like… it's not reinventing anything. It’s a feedback loop.

Deine Arbeit bezieht sich auf Popkultur, Mode und Editorials. Was fasziniert Sie an der Modewelt, und wie unterscheidet sie sich von der Kunstwelt?

Das Verhältnis zu Kunst und Medien hat sich in den letzten 20 Jahren definitiv stark verändert. In letzter Zeit habe ich festgestellt, dass Künstler, die mit Designern zusammenarbeiten, nachweislich eine größere Sichtbarkeit haben. Um relevant zu bleiben, entscheiden sich viele Marken für die Zusammenarbeit mit Künstlern, so dass die Medien die manchmal unzugängliche Welt der zeitgenössischen Kunst überwinden können. Heutzutage scheint sich die High Fashion zu verlangsamen, vielleicht weil der Trendzyklus so schnell ist, dass er sich selbst überholt? Oder weil einzelne Künstler, die so viele Inspirationen liefern, ihrer markengeschützten Ästhetik treu bleiben. Ich glaube schon, dass dies zu Trends in der Kunstproduktion beigetragen hat. Das ist unvermeidlich. Vielleicht liegt es daran, dass ich in Berlin lebe und der Einfluss von Balenciaga auf die Stadt wie eine Schlange ist, die sich selbst auffrisst.

Wie stehst du dazu, und wie beeinflusst das deine Arbeit?

Ich hatte schon immer das Gefühl, dass ich mit der Angst kämpfe, nicht dazuzugehören. Ein großer Teil meiner Kunst entsteht durch die Untersuchung von Waren und den Archetypen, die zur Vervollständigung ihrer Existenz verwendet werden. Während dieses Prozesses befinde ich mich auf der Außenseite und schaue nach innen. Gelegentlich verstricke ich mich in Larven, und dann wird es wirklich verwirrend - das passierte oft, als ich in LA war. Das passiert auch in Berlin, und wie jeder andere bin ich ein bisschen neidisch, dass ich bestimmte Ästhetiken nicht auf authentische Weise nutzen kann. Wenn ich mich nicht unbemerkt in sie verwandeln kann, lehne ich sie ab. Nach dem Motto: "Leckt mich doch, ich will sowieso nicht in eurem Club sein". Aber ich mag es - ich mag den Kult, der dahinter steckt, aber es ist definitiv frustrierend, wenn ein großer Teil der Kunst, die ich sehe, eine Adaption einer Ästhetik ist, deren einziger Zweck es ist, als ein Objekt gefeiert zu werden, das diese Ästhetik definiert. Es ist wie ein Signal, was die Menschen tun, aber es ist nicht wie... es ist keine Neuerfindung von etwas. Es ist eine Rückkopplungsschleife.

In your solo show Cancel the Reboot, there was this huge series of works dealing with commercial fashion photography. Could you tell us some more about this series and how it came to life?

I had been collecting A&F Quarterly for 5 years or something, and started working on my idea of turning these provocative images into lotto tickets. When I got the opportunity to exhibit at DOCK20, I knew I wanted to bring it to life in a Wheel of Fortune-style installation. I worked with Et al. Press on silk-screening them with a paint that was made for this purpose, but it was super toxic! So, I ended up making my own paint, to then remove most of it. These catalogs were sent to subscribers quarterly, and they had games, interviews with celebrities, clothes (not so obviously), but the majority of the issue would be explicit images of models and now, some celebrities portraying the young, sexy and free America that A&F wanted to sell.

In deiner Einzelausstellung Cancel the Reboot gab es diese erstaunliche, riesige Serie von Drucken, darunter auch kommerzielle Modefotografie. Können Sie uns etwas mehr über diese Serie erzählen und wie sie entstanden ist?

Ich sammelte A&F Quarterly schon seit etwa 5 Jahren und begann, an meiner Idee zu arbeiten, diese provokativen Bilder in Lottoscheine zu verwandeln. Als ich die Gelegenheit bekam, bei DOCK20 auszustellen, wusste ich, dass ich sie in einer Installation im Stil des Glücksrads zum Leben erwecken wollte. Ich habe mit Et al. Press zusammengearbeitet, um die Lose mit einer Farbe zu bedrucken, die für diesen Zweck hergestellt wurde, aber sie war sehr gesundheitsschädlich! Also stellte ich schließlich meine eigene Farbe her, um sie dann größtenteils zu entfernen. Diese Kataloge wurden vierteljährlich an die Abonnenten verschickt und enthielten Spiele, Interviews mit Prominenten, Kleidung (nicht so offensichtlich), aber der Großteil der Ausgabe bestand aus expliziten Bildern von Models und jetzt auch einigen Prominenten, die das junge, sexy und freie Amerika darstellten, das A&F verkaufen wollte.

Let’s talk about your Chewing Tongue series, can you maybe explain the series a bit and are there inspirations?

Chewing Tongue sort of jump-started my desire to revisit memories I had tried to bury. When I was a child being forced to go to bed, I had this sensation of my tongue rolling back and twisting into itself inside my mouth. It was always right before I drifted into sleep, but somehow I was still kind of awake. Chewing Tongue came to be while I considered this momentary visit to my mind’s figurative basement to be some waiting-room-like-purgatory. It’s hellish. It’s something in between contemplating the shadows on the cave walls, or an office waiting room, and you're looking at these really weird posters to pass the time.

How did this then translate into this series of work?

I started using pink foam, simply because of thinking about how disgusted I was by the act of chewing bubble gum, and the sensations I had while chomping on this goo, salivating as I would wait for the intensity to dissolve. In this one piece in my TNT series, the text was a poem I wrote when I started thinking about Chewing Tongue. I was like, consuming all this gum, trying to make these pink, tongue-like sculptures and sticking them in my notebooks to see what would happen.
The images in the final iteration of my Chewing Tongue series, there’s at least 29 of them now–they're all ‘cursed images’. Cursed images are a genre of imagery that was curated by some Twitter and Tumblr accounts in 2014, all found photos that aren’t connected to anything. They all kind of give you this ick, and you have to wonder, why do these images exist? The original context being erased makes their uncanniness able to be both demonic and funny.

Lass uns über deine Chewing Tongue Serie sprechen, kannst du die Serie vielleicht ein bisschen erklären und gibt es Inspirationen?

Chewing Tongue hat in mir den Wunsch geweckt, Erinnerungen wieder aufleben zu lassen, die ich zu verdrängen versucht hatte. Als ich als Kind gezwungen wurde, ins Bett zu gehen, hatte ich das Gefühl, dass sich meine Zunge in meinem Mund zurückrollte und in sich selbst drehte. Es war immer kurz vor dem Einschlafen, aber irgendwie war ich immer noch wach. Chewing Tongue entstand, als ich diesen momentanen Besuch im figurativen Keller meines Geistes als eine Art Wartezimmer-Fegefeuer betrachtete. Es ist höllisch. Es ist etwas zwischen der Betrachtung der Schatten an den Höhlenwänden oder einem Wartezimmer in einem Büro, und man schaut sich diese wirklich seltsamen Poster an, um sich die Zeit zu vertreiben.

Wie hat sich das dann in dieser Serie von Arbeiten niedergeschlagen?

Ich habe angefangen, rosafarbenen Schaum zu verwenden, einfach weil ich daran dachte, wie sehr ich mich vor dem Kauen von Kaugummi ekelte und welche Empfindungen ich hatte, wenn ich auf diesem Glibber herumkaute und mit Speichelfluss wartete, bis er sich auflöste. In diesem einen Stück meiner TNT-Serie war der Text ein Gedicht, das ich schrieb, als ich anfing, über Chewing Tongue nachzudenken. Ich habe diesen ganzen Kaugummi verbraucht und versucht, diese rosa, zungenartigen Skulpturen zu machen und sie in meine Notizbücher zu kleben, um zu sehen, was passiert.
Die Bilder in der letzten Iteration meiner Serie Chewing Tongue, von denen es jetzt mindestens 29 gibt, sind alle "verfluchte Bilder". Verfluchte Bilder sind ein Genre von Bildern, das 2014 von einigen Twitter- und Tumblr-Accounts kuratiert wurde - alles gefundene Fotos, die mit nichts in Verbindung stehen. Sie sind alle irgendwie unheimlich, und man fragt sich, warum es diese Bilder gibt. Da der ursprüngliche Kontext ausgelöscht ist, kann ihre Unheimlichkeit sowohl dämonisch als auch lustig sein.

Where do the images stem from?

I found some DVD security cases on the street when I was at my old studio, and I was walking down Grenzallee. Similarly, with the fridge doors–I am a trash person–but the DVD boxes were just piled on the street because someone had presumably robbed a store nearby and left the discarded security casing behind. So, I picked them up and started collecting them online. And the ones that I've bought on eBay still have functioning locks. It was about creating the interior of the cave where I'm processing my reality and dreams. Growing up, we kept all of our movies in racks along the walls of our basement. I have very clear memories of running up the stairs with the lights off after picking some movies to watch. So I thought about trapping these ‘cursed images’ in locked cases in an attempt to take control of my own visual memory that I find to be continuously mixed in truth. I think that's kind of what ‘cursed images’ are. Because they're so far removed from their source, they could be interpreted as both staged and experienced.

Woher stammen die Bilder?

Als ich in meinem alten Studio war und die Grenzallee entlangging, fand ich einige DVD-Sicherheitshüllen auf der Straße. Ähnlich wie bei den Kühlschranktüren - ich bin ein Müllmensch - aber die DVD-Hüllen lagen einfach auf der Straße, weil jemand vermutlich einen Laden in der Nähe ausgeraubt und die weggeworfenen Sicherheitshüllen zurückgelassen hatte. Also habe ich sie aufgelesen und angefangen, sie online zu sammeln. Und die, die ich bei eBay gekauft habe, haben noch funktionierende Schlösser. Es ging darum, das Innere der Höhle zu gestalten, in der ich meine Realität und meine Träume verarbeite. Als ich aufwuchs, bewahrten wir alle unsere Filme in Regalen an den Wänden unseres Kellers auf. Ich kann mich gut daran erinnern, wie ich bei ausgeschaltetem Licht die Treppe hinauflief, nachdem ich mir ein paar Filme ausgesucht hatte, die ich mir ansehen wollte. Also dachte ich darüber nach, diese 'verfluchten Bilder' in verschlossenen Kisten einzusperren, um zu versuchen, die Kontrolle über mein eigenes visuelles Gedächtnis zu erlangen, das meiner Meinung nach ständig mit der Wahrheit vermischt ist. Ich glaube, das ist es, was 'verfluchte Bilder' ausmacht. Weil sie so weit von ihrer Quelle entfernt sind, können sie sowohl als inszeniert als auch als erlebt interpretiert werden.

Besides print work and the transferred images, you also work with ready-mades and found objects.

Yes, for example, I found an original Bonanza coloring book at a junk store in Berlin-Köpenick, which is like one of the longest running American television programs. So, I took this coloring book and saw the half-colored-in pages to be so beautiful. I tried to imagine who the previous owners were; then, I found one page signed, "Yasmin." I wanted to share what I found without taking ownership because it felt so personal. This is different from the objects I usually collect; those feel a little more submissive to manipulation.

Neben Druckarbeiten und übertragenen Bildern arbeitest du auch mit Ready-Mades und Fundstücken.

Ja, zum Beispiel habe ich in einem Trödelladen in Berlin-Köpenick ein original Bonanza-Malbuch gefunden, das ist so eine der am längsten laufenden amerikanischen Fernsehsendungen. Ich nahm also dieses Malbuch und fand die halb ausgemalten Seiten so schön. Ich versuchte mir vorzustellen, wer die vorherigen Besitzer waren; dann fand ich eine Seite, die mit "Yasmin" signiert war. Ich wollte das, was ich gefunden hatte, mit anderen teilen, ohne es mir anzueignen, weil es sich so persönlich anfühlte. Das ist anders als bei den Objekten, die ich normalerweise sammle; diese fühlen sich der Manipulation ein wenig mehr unterworfen.

What do you mean with dead images or dead items?

Mike Kelly, who's my spiritual ghost, wrote one of my favorite essays, ‘Playing With Dead Things’, which really made so much sense of my relationship to stuffed animals as a child and my fascination with ‘dead’ objects now. You can imagine so many lives in which an object has lived based on its condition, so I tend to gravitate toward things that look the most removed from their original condition. I like to see the time passed, the memories abandoned or lost. Rusted, crusty, forgotten. They live, they die, and sometimes they’re reincarnated before they totally decay. A lot of these objects I collect and make art with feel like they're in purgatory. They're in the chewing-tongue state. Regarding the Bonanza coloring book pages, they still seemed so alive. I felt like displaying them on a fridge door is how they deserved to be shared; I wanted to keep the pureness intact. I needed everyone to know how important and beautiful I thought they were on their own. But then, the fridge door turned it into some sort of hunting plaque. ‘Look what I found, look how beautiful it is!’ After that, I kept going, using fridge doors as a way to share all of these pieces of life that I felt were still living.

Was meinst du mit toten Bildern oder toten Gegenständen?

Mike Kelly, der mein geistiger Geist ist, schrieb einen meiner Lieblingsaufsätze, "Playing With Dead Things", der meine Beziehung zu Stofftieren als Kind und meine Faszination für "tote" Gegenstände heute sehr gut verdeutlicht. Man kann sich so viele Leben vorstellen, die ein Gegenstand je nach seinem Zustand durchlebt hat, und so neige ich dazu, mich zu Dingen hingezogen zu fühlen, die am weitesten von ihrem ursprünglichen Zustand entfernt aussehen. Ich mag es, die vergangene Zeit zu sehen, die verlassenen oder verlorenen Erinnerungen. Verrostet, verkrustet, vergessen. Sie leben, sie sterben, und manchmal werden sie wiedergeboren, bevor sie völlig zerfallen. Viele dieser Objekte, die ich sammle und mit denen ich Kunst mache, fühlen sich an, als wären sie im Fegefeuer. Sie befinden sich in einem Zustand der kauenden Zunge. Was die Bonanza-Malbuchseiten angeht, so wirkten sie noch so lebendig. Ich hatte das Gefühl, dass sie auf einer Kühlschranktür ausgestellt werden sollten; ich wollte ihre Reinheit bewahren. Ich wollte, dass jeder weiß, wie wichtig und schön ich sie für sich allein genommen finde. Aber dann verwandelte die Kühlschranktür sie in eine Art Jagdplakette. Seht, was ich gefunden habe, seht, wie schön es ist! Danach machte ich weiter und nutzte Kühlschranktüren, um all die Teile des Lebens zu teilen, von denen ich das Gefühl hatte, dass sie noch lebten.

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