CONVERGENCE
by Aneta Kajzer and Manuel Stehli
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Berlin. We are pleased to present CONVERGENCE, the very first KUNZTEN group exhibition. With CONVERGENCE we as an online magazine are taking an approach to the analog space for the first time. In the rooms of the Berlin off-space Projektraum145 we present the first 9 artists we were allowed to portray in our series of interviews and thus cross the border of the purely digital into the physical space for the first time as a platform. At the local project space we show works of these outstanding and fascinating young artists. They work in a wide variety of media – from figurative and abstract painting to digital and analog experimental photography, to sculptural works, so that a great diversity of exciting artistic positions will be on display. The works converge each other, enter into caring relationships, communicate – sometimes loudly and energetically, sometimes in careful whispers. We see two figures asleep intertwined, curious looking creatures from another world, a cautious touch and powerful, magnificent plays of colors. The artists who come together all go through different artistic creative processes, play with the materiality of their media, and yet in CONVERGENCE enter into an interflowing rhythm that invites us to immerse ourselves and lose ourselves in it.
KUNZTEN hereby launches the new project series „KUNZTEN shows“, in which twice a year ,constellations from the artistic environment of KUNZTEN are brought together in the context of a group exhibition. „KUNZTEN shows“ was designed in dialogue with the artists; the extension of our platform into physical space allows for greater visibility, as well as a new level of exchange and networking. In order to make the KUNZTEN shows accessible to a broad audience, the conceptual backgrounds, creation processes and approaches of the artists will be addressed in a digital article, accompanying the exhibitions. In the future, we will use our digital expertise even more in order to merge the boundaries between the digital and analog worlds and to test innovative approaches and technologies. This will allow us to discuss the world of art in harmony with the artist and the viewer of tomorrow.
KUNZTEN is a multi-channel platform with the goal of conveying young art and culture in an informative and aesthetic way. The term KUNZTEN is a neologism composed of „KUNst“ (art) and „ZTEN - NETZ(werk)“ (network). KUNZTEN thrives on dialogue with artists, with the aim of rethinking the role of art in today‘s world and critically questioning traditional structures. Three concepts have been implemented from this dialogue so far: a series of online interviews - „An Artist Interview“, a virtual exhibition space „KUNZTRAUM“ and currently the exhibition series „KUNZTEN shows“. Our focus is on young art of various genres – from figurative and abstract painting to experimental photography and digital art. When selecting artists, we look for a broad and diverse spectrum, ranging from aspiring university graduates to established artists at the beginning of their careers. Of particular importance to us are artistic potential and the innovative approach of the work. It is a special concern of ours to work with the artists over a longer period of time through our various projects and to support their independence and artistic development. The networking and mutual exchange between the artists is also particularly important to us.
Berlin. Mit CONVERGENCE gehen wir als Online-Magazin erstmals eine Ann herung an den analogen Raum ein. In den Räumen des Berliner Off-Space Projektraum145 pr sentieren wir die ersten 9 Künstler:innen, welche wir in unserer Interviewreihe portraitieren durften und übertreten hiermit als Plattform erstmals die Grenze des rein digitalen in den physischen Raum. In dem lokalen Projektraum zeigen wir Werke der herausragenden und faszinierenden jungen Künstler:innen. Sie arbeiten in verschiedensten Medien – von figurativer und abstrakter Malerei, über digitale und analoge experimentelle Fotografie bis hin zu skulpturalen Arbeiten, sodass eine große Vielfalt spannender künstlerischer Positionen zu sehen sein wird. Die Werke nähern sich einander an, gehen fürsorgliche Beziehungen ein, kommunizieren miteinander – mal laut und energisch, mal vorsichtig flüsternd. Wir sehen schlafend ineinander verschlungene Figuren, neugierig blickende Kreaturen einer anderen Welt entstammend, eine vorsichtige Berührung und gewaltige, prachtvolle Farbenspiele. Es kommen Künstlerinnen und Künstler zusammen, die alle unterschiedliche künstlerische Schaffensprozesse durchgehen, mit der Materialit t ihrer Medien spielen und dennoch in CONVERGENCE eine ineinanderflie ende Rhythmik eingehen, die uns zum Eintauchen einl dt und in der wir uns verlieren dürfen. KUNZTEN startet hiermit die neue Projektreihe “KUNZTEN shows”, in der zweimal jährlich Konstellationen aus dem Umfeld von KUNZTEN im Rahmen einer Gruppenausstellung zusammengeführt werden. “KUNZTEN shows” wurde im Dialog mit den Künstlerinnen und Künstlern entworfen; die Erweiterung unser Plattform in den physischen Raum erm glicht eine größere Sichtbarkeit, sowie ein neues Maß an Austausch und Vernetzung. Um KUNZTEN einem breiten Publikum zugänglich zu machen, wird auf die konzeptionellen Hintergründe, Entstehungsprozesse und Herangehensweisen der Künstler:innen in einem digitalen Begleitartikel eingegangen. In Zukunft werden wir unsere digitale Expertise noch st rker einbringen, um die Grenzen zwischen digitaler und analoger Welt verschmelzen zu lassen und innovative Ans tze und Technologien zu testen. Dies erm glicht es uns die Welt der Kunst im Einklang mit den Künstler:innen und den Betrachter:innen von morgen zu er rtern. KUNZTEN ist eine Multi-Channel-Plattform mit dem Ziel junge Kunst und Kultur informativ und ästhetisch zu vermitteln. Der Begriff KUNZTEN ist ein Neologismus, der sich aus “KUNst” und “ZTEN – NETZ(werk)” zusammensetzt. KUNZTEN lebt von dem Dialog mit Künstlerinnen und Künstlern, mit dem Ziel die Welt der Kunst in der heutigen Welt neu zu denken und traditionelle KUNZTEN Strukturen kritisch zu hinterfragen. Aus diesem Dialog wurden bisher drei Konzepte umgesetzt: Eine Reihe von Online-Interviews – „An Artist Interview“, einen virtuellen Ausstellungsraum „KUNZTRAUM“ und aktuell die Ausstellungsreihe „KUNZTEN shows“. Unser Fokus liegt auf junger Kunst der verschiedensten Gattungen – von figurativer und abstrakter Malerei, über experimentelle Fotografie bis zu digitaler Kunst. Bei der Auswahl der Künstler: innen achten wir auf ein breites, diverses Spektrum, das von aufstrebenden Hochschulabsolvent: innen bis zu bereits etablierter Künstler:innen zu Beginn ihrer Karriere reicht. Besonders wichtig sind uns dabei künstlerisches Potential und der innovative Ansatz der Arbeit. Es ist uns ein besonderes Anliegen mit unseren verschiedenen Projekten mit den Künstler:innen über einen längeren Zeitraum zusammenzuarbeiten und dabei ihre Unabh ngigkeit und künstlerische Weiterentwicklung zu fördern. Besonders am Herzen liegt uns auch die Vernetzung und der gegenseitige Austausch der Künstler:innen untereinander.
by Marta Djourina and Lexia Hachtmann
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Bram Braam
What materials do you work with and how do you choose them?
The materials I use vary on each project, but it's mostly industrial, wood, glass, steel, plexiglass, concrete, and bricks.
But most recently I have started to work with siliconen rubber and acrylic resin.
What comes first – the material or the conceptual idea?
Always the idea, and then i have to master myself in the practice of the new material
like in my newest work, modern mutants. Sometimes I feel more like a construction worker with all the things I have to learn.
What does post-vandalism mean to you?
For me personally it means some specific background, some specific interest in the urban environment. A background that I myself have in graffiti, but I am interested in what comes after, in the more conceptual approach towards this background.
Bram Braam
Mit welchen Materialien arbeitest du und wie wählst du sie aus?
Die Materialien, die ich verwende, variieren von Projekt zu Projekt, aber meistens handelt es sich um Industrieprodukte, Holz, Glas, Stahl, Plexiglas, Beton und Ziegelsteine.
In letzter Zeit habe ich aber begonnen, mit Silikongummi und Acrylharz zu arbeiten.
Was ist zuerst da – das Material oder die konzeptionelle Idee?
Immer die Idee, und dann muss ich mich in der Praxis mit dem neuen Material auseinandersetzen, wie in meinem neuesten Werk modern mutants. Manchmal fühle ich mich eher wie ein Bauarbeiter mit all den Dingen, die ich lernen muss.
Was bedeutet Post-Vandalismus für dich?
Für mich persönlich bedeutet das einen bestimmten Hintergrund, ein bestimmtes Interesse an der städtischen Umwelt. Ein Hintergrund, den ich selbst in Graffiti habe. Ich interessiere mich dafür, was danach kommt, für den konzeptionellen Ansatz zu diesem Hintergrund.
by Bram Braam
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Marta Djourina
How do you create the abstract and painterly color worlds in your works?
In my work I investigate various light phenomena through analog photographic experiments. From bioluminescence to current discharges to self-created mobile light sources with which I transfer my bodily movements in the darkroom onto analog photographic paper. Light becomes the subject, the tool and the object of investigation and is translated into traces of color onto a light-sensitive image carrier in the process.
Individual series of works consist of intimate small formats or rolls of paper up to six meters high and focus on the physicality of traces of light, while others deal with the visualization of geometric folds and shapes.
For some series of works I use pinhole cameras, which are sent with a pigeon or by mail. For the projects "Glowing Attraction" and "Foxfire" I used the light of living organisms, their influence was captured on the photosensitive surface of the photographic paper. The most recent project, "Touchpoint," uses historical techniques from the medical field to depict the physical proximity and touch of a finger on the photographic paper.
What is the relationship between photography, painting and performance in your work?
In the darkroom, numerous direct exposures are created, small and oversized unique pieces that move in the borderland between photography, painting, drawing and performance. From paper scraps, foils and lint to material structures, folded papers, light and shadow, gestures, color and deep black - all these everyday objects and familiar materials become actors in my paintings.
A performative movement, an object, a self-created film negative from collages, enlarged traces of color or a combination thereof are traced with various light sources and captured on the surface of the carrier. I am interested in the nature of light and the potential of the medium of photography to fix the ephemeral and to give hidden things a visualization.
The entire space of the photo lab becomes my camera, as I transfer and record my own movements on the paper surface through a kind of self-tracking. Several meters away from the image carrier, I question the track of my own physical presence, playing with the perception of proximity and distance, of viewpoint and scale. In the complete darkness of the photo lab, I orient and navigate myself performatively through the space in a constant interrelation with spatial perception and my own sense of body.
How much control do you have over the play of colors that develops on the photographic paper as you work in the darkroom?
With photographic light experiments I investigate the depth and flatness of photosensitive image carriers, which I process and stage with moving direct exposures and specially created film negatives. In my works I generate questions about past and present, illusion and reality, visibility and presence, color and light, image and likeness, materiality and its loss, chance and control.
Within a questioning of the subject in photography and its conditions in my experimental approach to the medium of photography, I play with a kind of - as I like to call it - controlled chance. What happens in the moment of a loss of control or a gain of control, in the moment between intuitive movements and motion memories?
In the form of "blind drawings" or "blind paintings" I investigate the cause and effect of various light phenomena on photographic paper. The dynamics of a picture composition is the translation of a gesture, while the colorfulness of the artworks is based on a specially created color catalog developed over years.
Marta Djourina
Wie entstehen die abstrakten und malerisch anmutenden Farbwelten in deinen Werken?
In meiner Arbeit untersuche ich verschiedene Lichtphänomene innerhalb analog-fotografischer Experimente. Von Biolumineszenz über Stromentladungen bis hin zu selbst-erstellten mobilen Lichtquellen, mit denen ich meine Körperbewegungen in der Dunkelkammer auf analoges Fotopapier übertrage. Licht wird zum Thema, zum Werkzeug und zum Untersuchungsgegenstand und wird im Prozess auf einem lichtsensiblen Bildträger in Farbspuren übersetzt.
Einzelne Werkserien bestehen aus intimen Kleinformaten oder Papierrollen bis zu sechs Meter Höhe und konzentrieren sich auf die Körperlichkeit von Lichtspuren, während andere sich mit der Visualisierung von geometrischen Falten und Formen befassen.
Für manche Werkreihen setze ich Lochkameras ein, welche mit einer Taube oder per Post verschickt werden. Für die Projekte „Glowing Attraction“ und „Foxfire“ verwendete ich das Licht lebender Organismen, ihr Einfluss wurde auf der lichtempfindlichen Oberfläche des Fotopapiers erfasst. Das jüngste Projekt „Touchpoint“ nutzt historische Techniken aus dem medizinischen Bereich, um die körperliche Nähe und die Berührung eines Fingers auf dem Fotopapier abzubilden.
In welchem Verhältnis stehen Fotografie, Malerei und Performance in deiner Arbeit?
In der Dunkelkammer entstehen zahlreiche Direktbelichtungen, kleine und überdimensionierte Unikate, die sich im Grenzgebiet zwischen Fotografie, Malerei, Zeichnung und Performance bewegen. Von Papierschnipseln, Folien, Fusseln bis hin zu materiellen Strukturen, gefalteten Papieren, Licht und Schatten, Gesten, Farbe und tiefem Schwarz — all diese alltäglichen Gegenstände und uns vertrauten Materialien werden Akteure meiner Bilder.
Eine performative Bewegung, ein Objekt, ein selbst-erstelltes Filmnegativ aus Collagen, vergrößerte Farbspuren oder eine Kombination daraus werden mit verschiedenen Lichtquellen nachgezeichnet und auf dem flächigen Träger festgehalten. Mich interessiert das Wesen des Lichts und das Potential des Mediums Fotografie, Vergängliches zu fixieren und Verborgenem eine Anschauung zu verleihen.
Der komplette Raum des Fotolabors wird zu meiner Kamera, in dem ich meine eigenen Bewegungen auf der Papieroberfläche durch eine Art Selbst-Tracking übertrage und aufzeichne. Mehrere Meter vom Bildträger entfernt hinterfrage ich die Spur meiner eigenen körperlichen Präsenz, spiele mit der Wahrnehmung von Nähe und Distanz, von Standpunkt und Maßstab. In der kompletten Dunkelheit des Fotolabors orientiere und navigiere ich mich performativ in einer ständigen Wechselbeziehung mit der Raumwahrnehmung und dem eigenen Körpergefühl durch den Raum.
Wie viel Kontrolle hast du über das Farbenspiel, das während der Arbeit in der Dunkelkammer auf dem Fotopapier entsteht?
Mit fotografischen Lichtexperimenten untersuche ich die Tiefe und Flächigkeit fotosensitiver Bildträger, die ich mit bewegten Direktbelichtungen und eigens erstellten Filmnegativen bearbeite und in Szene setze. In meinen Arbeiten generiere ich Fragestellungen zur Vergangenheit und Gegenwart, Illusion und Realität, Sichtbarkeit und Anwesenheit, Farbe und Licht, Bild und Abbild, Materialität und dessen Verlust, Zufall und Kontrolle.
Innerhalb einer Befragung nach dem Sujet in der Fotografie und dessen Bedingungen in meiner experimentellen Herangehensweise an das Medium der Fotografie spiele ich mit einer Art – wie ich das gerne nenne – gesteuertem Zufall. Was passiert in dem Moment eines Kontrollverlustes bzw. eines Kontrollgewinns, in dem Moment zwischen intuitiven Bewegungen und motorischen Erinnerungen?
In der Form von “Blindzeichnungen” oder “Blindmalereien” untersuche ich die Ursache und Wirkung verschiedener Lichtphänomene auf fotosentivem Papier. Die Dynamik einer Bildkomposition ist die Übersetzung einer Geste, während die Farbigkeit der Kunstwerke auf einem eigens erstellten und über Jahre hinweg entwickelten Farbkatalog basiert.
by Marta Djourina
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
by Jane Garbert
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Jane Garbert
How and where do you find poetry in everyday life?
In my immediate environment – with alert eyes and quickly drawn iPhone camera. Timing and following intuition also play a role.
How do you choose the materiality in which you process your impressions?
The choice of material varies depending on the occasion. Often the search for a material equivalent plays a role in creating possible irritations or in revealing or expanding an aesthetic potential.
What fascinates you most about the everyday ornamentation of construction site work?
It is not only the construction site itself that interests me, but the transformative capacity of the work processes and materials to be found there. Elements of the visual arts, such as sculpture, performance or painting, can be physically experienced there.
Jane Garbert
Wie und wo findest du Poesie im Alltag?
In meinem direkten Umfeld- mit wachen Augen und schnell gezückter iPhone Kamerafunktion. Timing und der Intuition folgen spielen auch eine Rolle.
Wie wählst du die Materialität, in welcher du deine Eindrücke verarbeitest?
Die Materialwahl variiert je nach Anlass. Oft spielt die Suche nach einer materiellen Entsprechungen eine Rolle, um eventuelle Irritationen zu schaffen oder um ein ästhetisches Potential offen zu legen oder zu erweitern.
Was fasziniert dich besonders an der Alltagsornamentik von Baustellenarbeiten?
Es ist nicht nur die Baustelle an sich, die mich interessiert, sondern die Transformationsfähigkeit der dort zu findenden Arbeitsabläufe und Werkstoffe. Elemente der Bildenden Kunst wie zum Beispiel Bildhauerei, Performance oder Malerei sind dort physisch erlebbar.
by Marta Djourina and Lexia Hachtmann
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Lexia Hachtmann
How do you approach a new work or series of works?
It starts with collecting. Collecting situations, images, ideas. These can be texts that you have read, a small everyday situation that you have observed or a thought that catches you again and again. Collecting is important because it shows you clearly what you are most concerned with at the moment. It filters out the arbitrary and therefore concentrates the impressions which have touched and occupied you. From this a topic arises. Sketches and drawings are created before it goes on the canvas. Agnes Varda once said that she only makes a film when it imposes itself on her. She also says that every film begins with an emotion. I think these are correct approaches. Her film “Die Sammler und die Sammlerin” is in this sense a good metaphor for the process of this convergence in artistic work.
Which influences and sources of inspiration can be found in your work?
Everything that happens around you is an influence whether you like it or not. In addition to reality, I am inspired by film, theater, music and sometimes art.
What story do you tell us in 3 AM?
It is at night. It is 3 o'clock in the morning. We see a woman. She is lying in bed. She is looking somewhere. A hand protrudes into the picture from the right. The hand is wearing a red glove. It touches the woman's arm. We hear nothing. It is silent. We look at the woman. We are floating in the room. What is the glove doing? What is the woman thinking about? Can't she sleep? What kind of a room is this? Who is lying next to her? What is in her gaze?
Lexia Hachtmann
Wie näherst du dich einer neuen Arbeit oder Arbeitsreihe an?
Es beginnt mit dem Sammeln. Sammeln von Situationen, Bildern, Ideen. Das können Texte sein die man gelesen, eine kleine Alltagssituation, die man beobachtet hat oder ein Gedanke sein der einen immer wieder einholt. Sammeln ist deswegen wichtig, weil es einem klar zeigt, was einen gerade am meisten beschäftigt. Es filtert beliebiges aus und bündelt so mit registrierte Eindrücke die einen berührt und beschäftigt haben. Daraus ergibt sich dann ein Thema. Es entstehen Skizzen und Zeichnungen bevor es auf die Leinwand geht. Agnes Varda hat mal gesagt, dass Sie einen Film nur dann dreht, wenn sich dieser ihr aufdrängt. Sie sagt auch, dass jeder Film mit einer Emotion beginnt. Das sind richtige Ansätze finde ich. Ihr Film 'Die Sammler und die Sammlerin' ist in diesem Sinne eine gute Metapher für den Prozess dieses Annäherns im künstlerischen Arbeiten.
Welche Einflüsse und Inspirationsquellen finden wir in deiner Arbeit?
Alles was um einen herum passiert ist ein Einfluss ob man man möchte oder nicht. Mich inspiriert neben der Realität noch der Film, das Theater, Musik und auch manchmal die Kunst.
Welche Geschichte erzählst du uns in 3 AM?
Es ist nachts. Es ist 3 Uhr morgens. Wir sehen einen Frau. Sie liegt im Bett. Sie blickt irgendwo hin. Von rechts ragt eine Hand ins Bild. Die Hand trägt einen roten Handschuh. Sie berührt den Arm der Frau. Wir hören nichts. Es ist still. Wir blicken auf die Frau. Wir schweben in diesem Zimmer. Was macht der Handschuh? Woran denkt die Frau? Kann Sie nicht schlafen? Was ist das für ein Raum? Wer liegt neben ihr? Was ist in ihrem Blick?
by Aneta Kajzer, Marta Djourina and Frank Jimin Hopp
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Frank Jimin Hopp
Which topics and sources of inspiration do you process within your work?
In my work, the profanity of everyday consumer objects often meets poetic metaphors from myths and current events. Inspiration for my work, in the broadest sense, is pop culture, mythology, and food. Among the important themes I deal with in my work would be the relationship between humans and nature, and between the individual and the collective.
What is the conceptual process in which your ceramics are created?
Colorful and inviting at first glance, my sculptures often reveal abysses upon closer inspection, often seeming to prophesy a dystopian world shaped by climate change. Thus, shiny, almost fetishized objects turn out to be legacies of deep-seated problems, and seemingly everyday consumer objects to be meaningful image-bearers of mythical narratives of human failure. A new work usually begins with me being fascinated by a certain object and its social meaning, which is then counteracted by other motifs and pictorial metaphors in the course of the further development process.
What is the relationship between your paintings and ceramics?
Ceramics is a relatively new medium for me. Nevertheless, the sculptures are at least as important for my work as painting. Although I also find the boundary very fluid, because the ceramics are very painterly and especially color, structure and form are particularly important with them. And the ceramics also strongly influence my canvases. Not only in the motifs, but also in the application of paint. Thus, especially the newer paintings seem almost relief-like in some places.
Frank Jimin Hopp
Welche Themen und Inspirationsquellen verarbeitest du in deiner Arbeit?
In meinen Arbeiten trifft häufig die Profanität alltäglicher Konsumobjekte auf poetische Metaphern aus Mythen und Zeitgeschehen. Inspiration für meine Arbeiten sind im weitesten Sinne Popkultur, Mythologie und Essen. Zu den für mich wichtigen Themen, die ich in meinen Arbeiten bearbeite, würde ich das Verhältnis von Mensch und Natur sowie von Individuum und Kollektiv zählen.
Wie sieht der konzeptionelle Prozess aus, in dem deine Keramiken entstehen?
Auf den ersten Blick farbenfroh und einladend, offenbaren meine Skulpturen bei näherer Betrachtung oft Abgründe, die häufig eine dystopische, vom Klimawandel geprägte Welt zu prophezeien scheinen. So entpuppen sich glänzende, fast fetischisierte Objekte als Vermächtnis tiefsitzender Probleme und scheinbar alltägliche Konsumgegenstände als bedeutungsschwangere Bildträger mythischer Erzählungen vom menschlichen Scheitern. Eine neue Arbeit fängt dabei meist damit an, dass mich ein bestimmtes Objekt und seine gesellschaftliche Bedeutung fasziniert, welche dann im Laufe des weiteren Entstehungsprozesses durch andere Motive und bildhafte Metaphern konterkariert wird.
In welchem Verhältnis stehen deine Malerei und Keramiken zueinander?
Keramik ist ein relativ neues Medium für mich. Trotzdem sind die Skulpturen mindestens genauso wichtig für meine Arbeit wie die Malerei. Wobei ich die Grenze auch sehr fließend finde, weil die Keramiken sehr malerisch sind und gerade Farbe, Struktur und Form bei ihnen besonders wichtig sind. Und die Keramiken beeinflussen andersrum auch stark meine Leinwände. Nicht nur in den Motiven, sondern auch im Farbauftrag. So wirken gerade die neueren Malereien an manchen Stellen fast schon reliefartig.
by Aneta Kajzer
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
by Frank Jimin Hopp
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Aneta Kajzer
What worlds do the figures in your works derive from?
To be honest, I don't really know which worlds my characters emerge from. I think there are all kinds of worlds that merge with each other. Dream worlds, cartoon worlds, emotional worlds, color worlds ...
You describe color as a starting point in your work process - how do you choose the colors that intuitively guide you in the process?
At the beginning I usually choose the color quite spontaneously, according to mood. But I often use unwashed brushes soaked in linseed oil, whose paint residues then serve as a starting point. Nowadays I tend to rather start with light colors and add the darker tones later, which gives me more freedom in the painting process, because you can’t take away or paint over darker tones as well.
What role does humor play in your work?
Humor plays a role in my work. How big this role is in the painting in the end depends on the particular picture and also on the viewers. Some smile more about a picture than others, some find it funny, some see more the melancholic side in the figures, it depends. And I feel the same way. An art that completely excludes humor is not conceivable for me in any case.
Aneta Kajzer
Welchen Welten entspringen die Figuren deiner Arbeiten?
Ehrlich gesagt weiß ich selber nicht so genau, welchen Welten meine Figuren so entspringen. Ich denke es sind alle möglichen Welten, die sich miteinander vermischen. Traumwelten, Zeichentrickwelten, Gefühlswelten, Farbwelten…
Du beschreibst die Farbe als Ausgangspunkt in deinem Arbeitsprozess – wie wählst du die Farben aus, von denen du dich im Prozess intuitiv leiten lässt?
Ich wähle die Farbe zum Anfang meist ganz spontan, nach Stimmung. Oft nutze ich aber auch unausgewaschene, in Leinöl eingelegte Pinsel, deren Farbreste dann als Ausgangspunkt dienen. Tendenziell fange ich mittlerweile eher mit hellen Farben an und dunklere Töne kommen später hinzu, das lässt mir mehr Freiraum beim Malprozess, weil man das dunkle nicht mehr so gut wegnehmen bzw. übermalen kann.
Welche Rolle spielt Humor in deiner Arbeit?
Humor spielt eine Rolle in meiner Arbeit. Wie groß diese Rolle im Bild am Ende ist, kommt auf das jeweilige Bild und auch auf die Betrachtenden an. Manche schmunzeln mehr über ein Bild als andere, einige finden es witzig, manche sehen mehr die melancholische Seite in den Figuren, je nachdem. Und mir geht es auch so. Eine Kunst die Humor gänzlich ausschließt ist für mich jedenfalls nicht denkbar.
by Anna Nero
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Anna Nero
What themes and sources of influence do you work with in your painting?
In no specific order, I am interested in: sex, fetish, Judaism and Christianity, image worship, icons, knickknacks, fashion, trash, dildos, holes, penetration, jewelry, gadgets.
What is the method by which you approach a work?
I often start my work with patterns, grids, or sometimes a big brushstroke.
I'm interested in possibilities of representation. When does color become an object or space? I approach banal and mundane things with the help of painting. I breathe life into them or occupy the world with my own invented objects. Blobs, color bulges, and gestures mutate into objects - or even subjects - flirt with each other or repel each other. I scratch the surface of all things, their texture, materiality, functionality, context, even their essence or agenda.
What role do objects and their fetishization play in your work?
A big one! I love things. I often think about the fact that they often outlive us humans and thus establish a communication between past, now and future. Of course, this is not my thought, some smart person has already said that. But objects also excite me in a very archaic, sensual and non-intellectual way. That's where fetishization comes into play.
Anna Nero
Welche Themen und Einflussquellen verarbeitest du in deiner Malerei?
In keiner spezifischen Reihenfolge interessieren mich: Sex, Fetisch, Judentum und Christentum, Bildverehrung, Ikonen, Nippes, Fashion, Trash, Dildos, Löcher, Penetration, Schmuck, Geräte.
Was ist die Herangehensweise, mit welcher du dich einer Arbeit annäherst?
Ich beginne meine Arbeiten oft mit Mustern, Rastern oder auch mal einem großen Pinselstrich.
Mich interessieren Möglichkeiten der Repräsentation. Wann wird Farbe zu Gegenstand oder Raum? Ich nähere mich mithilfe der Malerei den banalen und profanen Dingen. Ich hauche ihnen Leben ein oder besetze die Welt mit eigenen, erfundenen Objekten. Kleckse, Farbwülste und Gesten mutieren zu Objekten - oder gar Subjekten - flirten miteinander oder stoßen sich ab. Ich kratze an der Oberfläche aller Dinge, an ihrer Beschaffenheit, Stofflichkeit, Funktionalität, ihrem Kontext, ja sogar ihrem Wesen oder ihrer Agenda.
Welche Rolle spielen Dinge/Objekte und deren Fetischisierung in deiner Arbeit?
Eine große! Ich liebe Dinge. Ich denke oft darüber nach, dass sie uns Menschen oftmals überdauern und so eine Kommunikation zwischen Vergangenheit, Jetzt und Zukunft herstellen. Das ist natürlich nicht mein Gedanke, irgendein schlauer Mensch hat das schon mal gesagt. Aber Objekte begeistern mich auch auf eine ganz archaische, sinnliche und nicht-intellektuelle Art und Weise. Da kommt dann die Fetischisierung ist Spiel.
by Victoria Pidust, Frank Jimin Hopp and Anna Nero
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Victoria Pidust
What is the source material from which you create new worlds and digital compositions with the help of technical and digital tools?
The source is always the objects or composition of them, which are catching my eye.
What do we see in the works Black and Orange II?
I don't know if you can see this. In the work Black there are a couple pieces of ice in a pot laying on the ground. In Orange II it was my Adidas shoes on the balcony.
What is your relationship to the objects you photograph?
I love to watch how they are living their lives. How they are creating new interesting relationships between each other. Catching something bigger in small.
Victoria Pidust
Was ist das Ausgangsmaterial, aus dem du mit Hilfe technischer und digitaler Werkzeuge neue Welten und digitale Kompositionen erschaffst?
Die Quelle sind immer die Objekte oder deren Komposition, die meine Aufmerksamkeit erregen.
Was sehen wir in den Arbeiten Black und Orange II?
In der Arbeit Black liegen ein paar Eisstücke in einem Topf auf dem Boden. In Orange II waren es meine Adidas-Schuhe auf dem Balkon.
In welchem Verhältnis stehst du zu den Objekten, die du fotografierst?
Ich liebe es zu beobachten, wie sie ihr Leben leben. Wie sie neue, interessante Beziehungen zueinander aufbauen. Etwas Größeres im Kleinen einzufangen.
by Victoria Pidust
KUNZTEN show #1 CONVERGENCE
2022
Photo: Moritz Haase
Manuel Stehli
What are the starting points for your paintings?
In recent years I have collected countless photographs of postures, gestures and constellations of people, but also experimented with simulation programs. I am particularly interested in images of the human body that have been produced for a specific purpose, such as stock images or prefabricated 3D-models, with their strange mixture of randomness and functionality and their way of imposing a universal legibility on people and things while always letting the individuality of the sources shine through.
How do you create these quiet, yet suspenseful scenes?
While looking through my picture archive, I often suddenly notice a certain detail that can become the starting point for a new picture. These details are difficult to define; in any case, they are often characterized by a certain tension or contradiction (for example, a gesture that is supposed to stand for warmth and affection, but involuntarily also conveys a feeling of unease or suggests an imbalance of power). In the painting process, I use fragments of these images, but gradually alienate and add to them in such a way that the result recalls their original function, but no longer fulfills it. In the end, a painting almost always contains elements from different sources, which together form a more or less convincing whole, but in detail always also contradict each other.
What role do intimacy and the interpersonal play in your work?
A big one, it's more or less all about that.
Manuel Stehli
Was sind die Ausgangspunkte für deine Bilder?
In den letzten Jahren habe ich unzählige Fotos von Haltungen, Gesten und Konstellationen von Menschen gesammelt, aber auch mit Simulationsprogrammen experimentiert. Ich interessiere mich besonders für Abbildungen vom menschlichen Körper, die zu einem bestimmten Zweck hergestellt worden sind, wie Stock-Images oder vorgefertigte 3D-Modelle, mit ihrer seltsamen Mischung aus Zufälligkeit und Funktionalität und ihrer Art, Menschen und Dingen eine universelle Lesbarkeit aufzuzwingen, dabei aber immer auch die Individualität der Quellen durchscheinen zu lassen.
Wie erschaffst du diese ruhigen, aber dennoch spannungsvollen Szenen?
Beim Durchsehen meines Bilderarchivs fällt mir oft unvermittelt ein bestimmtes Detail auf, das zum Ausgangspunkt eines neuen Bildes werden kann. Diese Details sind schwer zu definieren, sie sind jedenfalls oft von einer gewissen Spannung oder Widersprüchlichkeit geprägt (z.B. eine Geste, die für Wärme und Zuneigung stehen soll, aber unwillkürlich auch ein Gefühl des Unbehagens vermittelt oder ein Machtgefälle erahnen lässt). Im Malprozess verwende ich Fragmente dieser Bilder, verfremde und ergänze sie nach und nach aber so, dass das Resultat zwar an ihre ursprüngliche Funktion erinnert, diese aber nicht mehr erfüllt. Am Ende enthält ein Bild fast immer Elemente aus unterschiedlichen Quellen, die zusammen ein mehr oder weniger überzeugendes Ganzes bilden, im Detail aber immer auch in einem Widerspruch zueinander stehen.
Welche Rolle spielen Intimität und Zwischenmenschlichkeit in deiner Arbeit?
Eine große, es dreht sich mehr oder weniger alles darum.
