born in Frankfurt a.M., Germany; lives and works in Berlin, Germany
An Artist Interview #40
Coco Schütte
by Coco Schütte
Exhibition view 10QM
HfbK, Hamburg
2023
Photo: Fred Dott
Your artistic work is preceded by a research-based process. What has influenced you in recent months?
The last few months have been transformative in many ways. I’ve felt a growing need to integrate more personal themes into my work process. Artists and writers such as Cookie Mueller, Lisa Lyon, Kathy Acker and Ghislaine Leung have been particularly encouraging. Their perspectives on body, art, and autonomy emerge from a non-dogmatic approach that defies societal constraints, which raises questions for me about visibility, resilience, and identity.
At the same time, I am increasingly reflecting on my own role as a young woman and artist. I recently turned thirty and my sister had a child. These experiences have changed my view of social attributions, femininity and expectations of care. At a time when social regression is staged as political strength, I also find myself questioning which freedoms I take for granted today that could already be jeopardised tomorrow.
In my artistic process, this exploration is not a linear path, but a dialogue-based interplay of research, materiality and everyday life. I consciously look out for objects that trigger associative responses in me and can redirect works-in-progress into new directions. At the moment, I am particularly interested in how a body can function as a site of self-empowerment while simultaneously existing within societal frameworks of judgment and projection.
Deinen künstlerischen Arbeiten geht ein recherchebasierter Prozess voraus. Was hat dich in den letzten Monaten beeinflusst?
Die letzten Monate waren in vielerlei Hinsicht transformativ. Ich habe ein wachsendes Bedürfnis verspürt, persönlichere Themen stärker in meinen Arbeitsprozess zu integrieren. Künstlerinnen und Autorinnen wie Cookie Mueller, Lisa Lyon, Kathy Acker oder Ghislaine Leung haben mich dabei besonders begleitet. Ihre freien und undogmatischen Perspektiven auf Körper, Kunst und Autonomie werfen bei mir Fragen zur Sichtbarkeit, Resilienz und Identität auf.
Gleichzeitig reflektiere ich verstärkt meine eigene Rolle als junge Frau und Künstlerin. Ich bin vor Kurzem dreißig geworden, meine Schwester hat ein Kind bekommen. Diese Erfahrungen haben meinen Blick auf gesellschaftliche Zuschreibungen, auf Weiblichkeit und auf Erwartungen an Fürsorge verändert. In einer Zeit, in der gesellschaftliche Rückschritte als politische Stärke inszeniert werden, frage ich mich außerdem, welche Freiheiten ich heute als selbstverständlich empfinde, die morgen bereits gefährdet sein könnten.
In meinem künstlerischen Prozess ist diese Auseinandersetzung kein linearer Weg, sondern ein dialogisches Wechselspiel aus Recherche, Materialität und Alltag. Ich halte bewusst nach Objekten Ausschau, die mich assoziativ anregen und Arbeiten, die sich im Prozess befinden, in neue Richtungen lenken können. Dabei interessiert mich momentan besonders, wie ein Körper als Ort der Selbstermächtigung fungieren kann, während er gleichzeitig innerhalb gesellschaftlicher Bewertungs- und Projektionsmuster existiert.
by Coco Schütte
Unboxing, 2025
Veneered MDF, silkscreen print, Philines highheel, Sabines Egg, “Bosses“ by Ghislaine Leung
72 x 33 x 17 cm
by Coco Schütte
Exhibition view Kataster
Åplus Galerie, Berlin
2025
Photo: Hagen Schümann
Before you studied fine arts in Hamburg and Paris, you studied fashion in Berlin. What influence does your fashion background have on your artistic practice?
When I started studying fine art, I had the feeling that I needed to step away in order to emancipate myself from my academic and professional background. It took time for me to regain an appreciation for fashion design. Today I find it enriching to think about both fields together and to consider their interfaces. Both sculpture and fashion design are practices focused on the manipulation of form, relying on a precise awareness of volume, construction, and materiality. Fashion is a process that makes sociocultural markers legible in public space, one that is intuitive and closely attuned to the spirit of the time - a snapshot of the current cultural landscape and at the same time a visual chronicle of the present. The dynamism, intuitive sensibility, and engagement with visually driven sociocultural processes have had a lasting impact on my artistic practice.
Du hast vor dem Studium der Bildenden Kunst in Hamburg und Paris, Mode in Berlin studiert. Welchen Einfluss hat dein Modehintergrund auf deine künstlerische Praxis?
Zu Beginn meines Studiums der Bildenden Kunst hatte ich das Gefühl mich freischwimmen zu müssen, um mich von meinem akademischen und beruflichen Hintergrund zu emanzipieren. Bis ich die Wertschätzung für das Modedesign wiederfinden konnte, hat es gedauert. Heute finde ich es spannend beide Bereiche zusammenzudenken und ihre Schnittstellen zu erwägen. Sowohl die Bildhauerei als auch das Modedesign sind skulpturale Prozesse, die ein präzises Gefühl für Volumen, Konstruktion und Materialität voraussetzen. Mode ist ein Prozess, der soziokulturelle Marker im öffentlichen Raum lesbar macht, intuitiv ist und nah am Puls der Zeit liegt - eine Momentaufnahme der gegenwärtigen Kulturlandschaft und zugleich eine visuelle Chronik der Gegenwart. Die Dynamik, die intuitive Sensibilität und die Auseinandersetzung mit visuell geprägten, soziokulturellen Prozessen haben meine künstlerische Praxis nachhaltig beeinflusst.
by Coco Schütte
Exhibition view Kataster
Åplus Galerie, Berlin
2025
Photo: Hagen Schümann
In your series of wall sculptures based on shipping boxes, you work with found objects. What do you place inside your boxes?
The boxes function like small spatial units in which biographies, infrastructure and ideology overlap.
For me, the reconstructed boxes, which make use of the mass logic of a standardised, material world, serve as small spaces that, like a parcel, can be variably filled with anything that fits into them. In addition, their inherent function of transport presupposes a dynamic that for me is linked to the constant change of life.
They harbour the contradiction between lived intimacy and industrial uniformity. I collect fragments of memories, reference objects and research in this container. Things that often have a personal background and at the same time are socially legible.
In deiner Serie an Wandskulpturen, die an typischen Versandboxen orientiert sind, arbeitest du mit found objects. Was verpackst du in deinen Kartons?
Die Boxen fungieren wie kleine Raumeinheiten, in denen sich Biografien, Infrastruktur und Ideologie überlagern.
Für mich funktionieren die nachgebauten Kartons, die sich der Massenlogik einer standardisierten, materiellen Welt bedienen, wie kleine Räume, die ähnlich wie ein Paket variabel mit allem angefüllt werden können, was in sie hineinpasst. Sie setzen außerdem anhand der ihr inhärenten Funktion des Transports eine Dynamik voraus, die für mich in Verbindung mit dem stetigen Wandel des Lebens steht.
In ihnen birgt sich der Widerspruch zwischen gelebter Intimität und industrieller Gleichförmigkeit. In diesem Behältnis sammle ich Erinnerungsfragmente, Referenzobjekte, Recherchen. Dinge, die oft einen persönlichen Hintergrund haben und zugleich gesellschaftlich lesbar sind.
by Coco Schütte
Ruler, 2025 (detail)
Wallpaper table, paint, pre-used clothes and shoe
234 x 58 x 100 cm
Photo: Hagen Schümann
by Coco Schütte
Every Window With A Hammer Is An Exit, 2023
Veneered MDF, screen print of the Lake Shore Drive apartments by Mies van der Rohe, Karos lipstick
46 x 35 x 10 cm
by Coco Schütte
Incubator, 2025
Veneered MDF, foto transfer on aluminium, egg cups
52 x 45 x 11 cm
The juxtaposition of public and private space as well as collective standardisation and individualism is a recurring element in your work. Which images and objects do you particularly like to work with?
In recent years, I have often worked with objects that are located at architectural thresholds, such as blinds, doormats or walls. They mark transitions between inside and outside, retreat and participation. I view architecture as a third skin or shell—similar to clothing, which acts as a second skin mediating between the body and the outside world.
Clothing simulates individuality, but is at the same time bound to the logic of mass production and thus oscillates between necessary standardization and perceived individualism. These objects often originate from my everyday life, while the imagery tends to be fed by my research. For this, I use collected photo books, magazines or images from the Internet, which I archive. In the work Every Window With A Hammer Is An Exit (2023), for example, a silkscreen print of a postage stamp appears, depicting the Lake Shore Drive Apartments by Mies van der Rohe. It symbolises the introduction of serial, modern architecture in housing construction. The wall sculpture Incubator (2025) works with a found object from eBay Classifieds, a baby photo that, upon closer inspection, reveals itself as a staged product image of the Baby Born doll, which was established on the market as the idealized baby figure.
I am interested in how collective structures shape our understanding of intimacy, identity and belonging. In this process, I seek the personal in the universal. I repeatedly ask myself – where do I end and where do we begin?
Die Gegenüberstellung von öffentlichem und privatem Raum sowie von kollektiver Standardisierung und Individualismus stellt ein wiederkehrendes Element in deinem Werk dar. Mit welchen Bildern und Objekten arbeitest du hierbei besonders gern?
In den vergangenen Jahren habe ich oft mit Objekten gearbeitet, die an architektonischen Schwellen liegen, wie Jalousien, Fußmatten oder Wände. Sie markieren Übergänge zwischen innen und außen, Rückzug und Teilhabe. Architektur sehe ich dabei als dritte Haut oder Hülle – ähnlich wie Kleidung, die als zweite Haut zwischen Körper und Außenwelt vermittelt. Kleidung simuliert Individualität, ist aber zugleich an die Logik der Massenproduktion gebunden und oszilliert somit zwischen notwendiger Standardisierung und gefühltem Individualismus. Diese Dinge entstammen oft meinem gelebten Alltag, während sich die Bildwelten eher aus meiner Recherche speisen. Dafür nutze ich gesammelte Fotobücher, Magazine oder Bilder aus dem Internet, die ich archiviere. In der Arbeit Every Window With A Hammer Is An Exit (2023) etwa taucht ein Siebdruck einer Briefmarke auf, die die Lake Shore Drive Apartments von Mies van der Rohe zeigt. Sie steht für die Einführung serieller, moderner Architektur im Wohnungsbau. Die Wandskulptur Incubator (2025) arbeitet mit einem Fundstück von Ebay Kleinanzeigen, einem Babyfoto, das sich beim genaueren Hinsehen als inszeniertes Produktbild der Puppe Baby Born entpuppt, die als vermeintliches Idealbaby auf dem Markt etabliert wurde.
Mich interessiert, wie kollektive Strukturen unser Verständnis von Intimität, Identität und Zugehörigkeit prägen. Dabei suche ich das Persönliche im Universellen. Dabei frage ich mich immer wieder – Wo höre ich auf und wo fangen wir an?
In your works, you bring together a very precise handcrafted approach to production and a wide variety of found objects. How did you come to interweave these disparate material worlds?
I have essentially pursued this approach since the beginning of my studies. It has become an integral part of my sculptural language.
In principle, I am interested in how things are constructed, what techniques underlie them, and how I can trace or perhaps even rethink them. I realized early on in my childhood that precision and time are not just means of producing things, but ways of building a relationship with them – a very sensual experience. For me, the physical confrontation with material creates a dialogue between inner imagination and outer form.
Found objects, however, give me the opportunity to expand my visual vocabulary. They allow me to connect my inner language with the means of communication of the external world. I believe that the subject can locate itself in its reality through the perception of objects and images. What surrounds you also inevitably shapes your thinking.
The objects I choose are culturally charged and often have a personal component as they have already been used by me or another person. They open up a biographical resonance space that interests me. In this way, seemingly mundane objects can be inscribed with memories, longings and history. I transform them through gestural interventions or by combining them with other materials. This creates hybrid forms in which personal and collective memory, body and space, intuition and construction intertwine.
In deinen Werken bringst du eine präzise handwerkliche Produktionsweise und verschiedenste found objects zusammen. Wie kamst du dazu diese sehr unterschiedlichen Materialwelten zu verweben?
Diesen Ansatz verfolge ich im Grunde genommen seit Anbeginn meines Studiums. Er hat sich als integraler Bestandteil meiner bildhauerischen Sprache etabliert.
Prinzipiell interessiert es mich, wie Dinge konstruiert sind, welche Techniken ihnen zugrunde liegen und wie ich sie nachvollziehen oder vielleicht sogar neu denken kann. Schon früh in meiner Kindheit habe ich für mich erkannt, dass Präzision und Zeit nicht nur Mittel zur Herstellung von Dingen sind, sondern Wege, eine Beziehung zu ihnen aufzubauen – eine sehr sinnliche Erfahrung. In der körperlichen Auseinandersetzung mit Material entsteht für mich ein Dialog zwischen innerer Vorstellung und äußerer Form.
Found objects hingegen geben mir die Möglichkeit, mein visuelles Vokabular zu erweitern. Sie helfen mir, meine innere Sprache mit den Kommunikationsmitteln der Außenwelt zu verbinden. Ich denke, dass sich das Subjekt durch die Wahrnehmung von Objekten und Bildern in seiner Realität verorten kann. Was einen umgibt, formt zwangsläufig auch das Denken.
Die Gegenstände, die ich auswähle, sind kulturell aufgeladen und bringen oft eine persönliche Komponente mit, da sie bereits von mir oder einer anderen Person genutzt wurden. Sie eröffnen einen biografischen Resonanzraum, der mich interessiert. So können mondän anmutenden Gegenständen Erinnerungen, Sehnsüchte und Geschichte eingeschrieben sein. Durch gestische Eingriffe oder die Verbindung mit anderen Materialien transformiere ich sie. So entstehen hybride Formen, in denen sich persönliche und kollektive Erinnerung, Körper und Raum, Intuition und Konstruktion miteinander verschränken.
by Coco Schütte
Exhibition view 10QM
HfbK, Hamburg
2023
Photo: Fred Dott
The egg is a recurring element in your artistic work. What symbolism does it contain for you?
The egg carries a promise that is inherently ambiguous.
Das Ei ist ein immer wiederkehrendes Element deiner künstlerischen Arbeit. Welche Symbolik steckt für dich darin?
Das Ei steht für einen Anfang, der nie eindeutig ist.
Photo: Luis Bortt
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Leopold Schaefer
Luis Bortt