Born in New Delhi, India; lives and works in Berlin, Germany
An Artist Interview #33
Amrita Dhillon
by Amrita Dhillon
Dance on the Volcano
2024
Oil on Velvet
50 x 70 cm
What is your artistic process like, how do you approach your painting?
Most of the imagery in my paintings is found in some way, either from film, photographs, magazines, or elsewhere. These images serve more as guides than strict references, providing an initial framework, with the process taking on a life of its own after that. I paint in layers, so some of my paintings exist on top of older works that didn’t make it.
One of the first decisions I make before beginning a painting is the format. This introduces a degree of intentionality into a process that often relies heavily on instinct. The choice of a particular format can set the tone for a painting: I associate tall, lengthy formats with a certain unresolved anxiety, or square formats with passiveness and calm.
Wie sieht dein künstlerischer Prozess aus und wie näherst du dich einer Malerei?
Die meisten Motive in meinen Gemälden finde ich auf irgendeine Weise, sei es aus Filmen, Fotografien, Zeitschriften oder anderen Quellen. Diese Bilder dienen eher als Leitfäden, anstatt als strenge Referenzen und bieten einen anfänglichen Rahmen, der sich im Laufe des Prozesses weiterentwickelt. Ich male in Schichten, oft über ältere Werke, die nicht gelungen sind.
Bevor ich mit einem Gemälde beginne, ist eine der ersten Entscheidungen, die ich treffe, das Format zu wählen. Dies bringt eine gewisse Absicht in einen Prozess, oft stark auf Instinkt basierend. Die Wahl eines bestimmten Formats kann die Stimmung eines Gemäldes beeinflussen: Ich assoziiere zum Beispiel hohe, längliche Formate mit einer Art ungelöster Anspannung, während quadratische Formate passiver und beruhigender wirken.
by Amrita Dhillon
Exhibition view Things Fall Apart
Dorothea Konwiarz Stiftung, Berlin
2024
by Amrita Dhillon
Untitled
2024
Oil on Velvet
120 x 90 cm
by Amrita Dhillon
Too Close for Comfort 2
2024
Oil on Canvas
100 x 80 cm
How do you select the motifs for your paintings, and what themes do you explore in your work?
I think the reasons why I choose a particular motif over another often remains opaque to me too. I can say that I am attracted to images that are somewhere between moments, before a coming change or at their highpoint before they fade; tension, ambiguity, lovers too close for comfort, bright lights, smiling grimaces and strange emotions.
Wie wählst du die Motive für deine Gemälde aus und welche Themen erforschst du in deiner Arbeit?
Die Gründe, warum ich ein Motiv einem anderen vorziehe, bleiben oft auch mir unklar. Ich fühle mich zu Bildern hingezogen, die sich in Übergangsmomenten befinden – kurz vor einer Veränderung oder auf ihrem Höhepunkt, bevor sie verblassen. Themen wie Spannung, Mehrdeutigkeit, Liebende zu Nah zur Entspannung, grelles Licht, gezwungene Lächeln und seltsame gefühle faszinieren mich.
You use a variety of materials such as canvas, velvet and satin. How do they differ and what does the material mean for your work?
I painted exclusively on canvas and paper until a few years ago. I was searching for a way to materially transform my work and began experimenting with various fabrics. Velvet, in particular, resonated with many of the ideas I wanted to explore. I was drawn to its cultural significance, from Mughal India and Safavid Iran to Ottoman Turkey. It feels like a material that carries the weight of centuries.
Velvet fascinates me more than any other surface I’ve worked on: there is a certain mystery to the fabric pile that draws the eye toward it. Paint behaves strangely on velvet. Sometimes it sinks into its gaps, becoming part of its personal landscape. At other times, it sits on top, creating a sheen that mimics real light.
A few months ago, when I was in Delhi, I was looking for new fabrics to experiment with. I discovered a type of satin that I brought back with me to Berlin. Painting on this surface is the complete opposite of working with velvet — it’s almost like learning to paint all over again. Unlike the absorbent, heavy texture of velvet, satin is slippery and resists soaking in paint. It is similar to painting on glass.
Du verwendest eine Vielzahl von Materialien wie Leinwand, Samt und Satin. Wie unterscheiden sie sich und welche Bedeutung hat das Material für deine Arbeit?
Bis vor ein paar Jahren malte ich ausschließlich auf Leinwand und Papier. Dann suchte ich nach einer Möglichkeit, meine Arbeit materiell zu transformieren, und begann, mit verschiedenen Stoffen zu experimentieren. Samt hat besonders stark mit vielen der Ideen resoniert, die ich erkunden wollte. Ich war von seiner kulturellen Bedeutung fasziniert, von Mogul-Indien und Safawiden-Iran bis hin zum Osmanischen Reich. Es fühlt sich an wie ein Material, das das Gewicht von Jahrhunderten trägt.
Samt fasziniert mich mehr als jede andere Oberfläche, auf der ich gearbeitet habe: Es gibt ein gewisses Mysterium auf der Oberfläche des Stoffes, das den Blick auf sich zieht. Farbe verhält sich auf Samt seltsam. Manchmal versinkt sie in den Furchen und wird Teil der eigenen Landschaft des Materials. Zu anderen Zeiten bleibt die Farbe obenauf und erzeugt einen Glanz, der echtes Licht nachahmt.
Vor ein paar Monaten, als ich in Delhi war, suchte ich nach neuen Stoffen, mit denen ich experimentieren konnte. Ich entdeckte eine Art Satin, die ich mit nach Berlin brachte. Das Malen auf dieser Oberfläche ist das komplette Gegenteil von der Arbeit mit Samt — es ist fast so, als müsste man das Malen neu erlernen. Anders als die saugfähige, schwere Textur von Samt ist Satin rutschig und widersteht dem Aufsaugen der Farbe. Es ist vergleichbar mit dem Malen auf Glas.
Photo: Luis Bortt
Photo: Luis Bortt
Photo: Luis Bortt
What inspirations and influences do you draw on in your work?
Films are an important source of inspiration for me, particularly Expressionist cinema and Film Noir. Much of my early education about light and composition comes from Hitchcock and Murnau. I am reminded of the underwater scene in Charles Laughton’s Night of the Hunter (1955). Once you’ve seen it, it is hard to forget the way light filters through her hair and the lake weeds, all tangled up.
I’m also interested in older Indian films, Bollywood and beyond — especially the lurid colours and set designs. Many of these films were made on a limited budget, with the cheap materials and strange lighting…really creative and inspiring as a resource for mages. The set design in Teesri Manzil (1966) is so bizarre and wonderful.
The first painter I really looked at closely was Kirchner, and I still find myself returning to his work regularly. It’s partly what brought me here to Berlin; I remember seeing his work in an art history class at Bard College, and thinking that I really have to go and see the city for myself. I also look at Walter Richard Sickert, a painter who really represents this sense of ‘in-between moments’ I referred to previously.
I would also include Lionel Wendt and Amrita Sher-Gil, who have been very important for me, in terms of seeing myself, and my people, in a way that honours and reflects us properly. At the moment I am really interested in the works of Victor Man, Jake Grewal, Martha Diamond, Matthew Krishanu and Andrew Cranston.
Welche Inspirationen und Einflüsse fließen in deine Arbeit ein?
Filme sind eine wichtige Inspirationsquelle für mich, besonders der expressionistische Film und der Film Noir. Ein Großteil meiner frühen Ausbildung in Sachen Licht und Komposition stammt von Hitchcock und Murnau. Ich erinnere mich an die Unterwasserszene in Charles Laughtons „Night of the Hunter“ (1955). Hat man sie einmal gesehen, vergisst man kaum, wie das Licht durch ihr Haar und die verworrenen Wasserpflanzen im See filtert.
Auch ältere indische Filme, Bollywood und darüber hinaus, interessieren mich – besonders die grellen Farben und die eigenwilligen Bühnenbilder. Viele dieser Filme wurden mit begrenztem Budget gedreht, mit billigen Materialien und seltsamen Beleuchtungseffekten… wirklich kreativ und inspirierend als Bildquelle. Das Bühnenbild in Teesri Manzil (1966) ist so bizarr und wunderbar.
Der erste Maler, den ich wirklich intensiv betrachtet habe, war Kirchner, und ich kehre immer wieder zu seinem Werk zurück. Es war auch ein Grund, warum ich nach Berlin gekommen bin; ich erinnere mich, wie ich in einem Kunstgeschichtskurs am Bard College seine Werke sah und dachte, dass ich diese Stadt unbedingt selbst sehen muss. Ich beschäftige mich auch mit Walter Richard Sickert, einem Maler, der dieses Gefühl der "Zwischenmomente", von dem ich zuvor sprach, wirklich darstellt.
Ebenso wichtig für mich sind Lionel Wendt und Amrita Sher-Gil, die mir geholfen haben, mich selbst und mein Volk auf eine Weise zu sehen, die uns richtig würdigt und widerspiegelt. Derzeit interessiere ich mich sehr für die Werke von Victor Man, Jake Grewal, Martha Diamond, Matthew Krishanu und Andrew Cranston.
by Amrita Dhillon
Disco Aunty
2023
Oil on Board
40 x 30 cm
by Amrita Dhillon
Things Fall Apart
2024
Oil and Bleach on Velvet
200 x 200 cm
by Amrita Dhillon
Don’t You Try
2023
Oil on Velvet
200 x 200 cm
Your paintings often seem to glow. What role does light play in your work?
Light is both a beautiful and terrible thing; it reveals that which is supposed to remain hidden. This idea often carries religious or spiritual undertones, which I reject in my paintings. I’m far more drawn to the profane, the lurid, and the artificial aspects of light — the cheap sparkle of sequins, the garish shine of gold jewellery, and the cold gleam of metal. In this regard, I think of Bimal Roy's filming of a metal factory in Tins for India (1941), where light takes on a magical power in a mundane setting.
I like the way Oskar Zwintscher painted his wife Adele’s jewellery and the shiny box in his painting Gold und Perlmutter (1909) — the items depicted are clearly valuable, but his portrayal gives them a slightly sickly, faded quality, suggesting their impermanence. I have a similar feeling when I look at some of Sickert’s paintings of Venice, one of the most beautiful cities in the world, bathed in a jaundiced, sulphuric glow.
Deine Gemälde scheinen oft zu leuchten. Welche Rolle spielt das Licht in deiner Arbeit?
Licht ist sowohl etwas Schönes als auch etwas Schreckliches; es offenbart das, was eigentlich verborgen bleiben sollte. Diese Idee hat oft religiöse oder spirituelle Untertöne, die ich in meinen Gemälden ablehne. Mich ziehen eher die profanen, grellen und künstlichen Aspekte des Lichts an – das billige Funkeln von Pailletten, der grelle Glanz von Goldschmuck und das kalte Schimmern von Metall. In diesem Zusammenhang denke ich an Bimal Roys Filmarbeit in einer Metallfabrik in „Tins for India“ (1941), wo das Licht in einer alltäglichen Umgebung eine magische Kraft annimmt.
Ich mag, wie Oskar Zwintscher den Schmuck seiner Frau Adele und die glänzende Schachtel in seinem Gemälde Gold und Perlmutter (1909) malte – die dargestellten Objekte sind offensichtlich wertvoll, aber seine Darstellung verleiht ihnen eine leicht kränkliche, verblasste Qualität, die ihre Vergänglichkeit andeutet. Ähnlich fühle ich mich, wenn ich einige von Sickerts Gemälden von Venedig betrachte, einer der schönsten Städte der Welt, die in ein kränkliches, schwefelhaltiges Licht getaucht ist.
by Amrita Dhillon
Exhibition view Eyes Without Face
Passage, Berlin
2024
by Amrita Dhillon
Exhibition view Eyes Without Face
Passage, Berlin
2024
How has your painting been evolving in the recent past? What is your focus at the moment, what is currently interesting you?
Since the last couple of years, I've been reflecting on how we as Indian people portray ourselves through images. Although it's challenging to speak of a collective "we" in a country as vast as India, there is a sense of shared identity — geographically connected, shaped by colonial history and cultural ties. In a recent series of paintings, I looked at Indian films from the 1940s to the 1970s, including both Bollywood and regional films from South India, and sought out images that offered insights into this question. I was particularly interested in how women were portrayed, how song and dance were used to mask darker undertones, and how the need for individual freedom was navigated within the rigid conventions of the collective.
Wie hat sich deine Malerei in letzter Zeit entwickelt? Worauf konzentrierst du dich momentan, was interessiert dich derzeit?
In den letzten Jahren habe ich darüber nachgedacht, wie wir als indisches Volk uns durch Bilder darstellen. Obwohl es schwierig ist, von einem kollektiven "Wir" in einem so riesigen Land wie Indien zu sprechen, gibt es ein Gefühl gemeinsamer Identität – geografisch verbunden, geprägt von kolonialer Geschichte und kulturellen Bindungen. In einer kürzlich entstandenen Gemäldeserie habe ich indische Filme aus den 1940er- bis 1970er-Jahren untersucht, sowohl Bollywood- als auch regionale Filme aus Südindien, und nach Bildern gesucht, die Einsichten in diese Frage bieten. Besonders interessiert hat mich, wie Frauen dargestellt wurden, wie Gesang und Tanz genutzt wurden, um dunklere Untertöne zu verschleiern, und wie der Wunsch nach individueller Freiheit innerhalb der starren Konventionen des Kollektivs navigiert wurde.
Photo: Luis Bortt
Photo: Luis Bortt
by Amrita Dhillon
Showing Teeth
2024
Oil on Velvet
30 x 110 cm
interview
Leopold Schaefer
Luis Bortt